“莫奈最出名的17张名画”

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莫奈一生留下了500幅素描、2000多幅油画和2700封信。 从巴黎大街到地中海岸，从法国到伦敦、威尼斯、挪威，各地旅行写生，留下了无数作品。

草地上的午餐

25岁的莫奈曾在舍依画了一部长20英尺的大作《草地上的午饭》( 4.5×6米)。 那个时候库尔贝也在舍依画画。 他很喜欢莫奈，经常来看他，给《草地上的午饭》写意见。 这幅画完成后，莫奈后悔听取了库尔贝的意见，对作品不满意，决定不在沙龙展示。 离开宿舍的时候，因为付不起房租，把这幅画抵押了，但很遗憾房子湿了，这部大作被破坏了。 今天我们看到的这个“草地上的午饭”，其实是莫奈为了完成巨大的油画而制作的“草稿”，但是“草稿”也是，高1.3米，宽1.8米。 从主题的素材和构图来看，这幅画肯定是受模仿的“草地上的午餐”的画的启发，也可能是想和模仿比赛。

1865年，莫奈第一次认识了卡米，请他做了当时计划的巨大油画“草地上的午饭”的模型。 从画面左边数第一个躺着的女性以卡缪为模特被描绘。

这幅画是在室外完成的。 这和马奈的“草地上的午饭”相比，确实是描绘户外光线生动的景色和景色的真实自然方面。 画中的太阳通过林木洒在人物的身上和地上的景色上。 透明闪耀，赏心悦目。

莫奈用印象派光影的方法，描绘了草地上悠闲的绅士淑女。 画家以昏暗的树荫为背景，衬托出前景白布上的男人、女人、食品，体现了夏天悠闲的假日午餐。 后面的情侣站起来正要离开，绿叶在强烈的阳光照射下，看起来异常明亮，不仅增加了夏天炎热的季节，还增添了画面的颜色。 景色和人物都画得很生动。 户外光线的运用，给画面带来了色彩鲜艳、清爽的效果。

莫奈1865年的《草坪上的午餐》向莫奈1863年的同名作品表示敬意。 他为了如实地描绘光影的效果，在地上挖了个大洞，在洞里进行了创作。 本作精确地描绘了人物，但真正出彩的是背景树叶，逆光呈现透明的绿色，从黄绿到深绿色的色彩水平极为丰富，莫奈解释说，这幅画的每一片叶子对他来说都是模特的脸。

日出印象

这幅画描绘了莫奈在拉阿弗尔港的景象:海水被朝霞笼罩，呈橙色和淡紫色。 天空的微红由各种颜色块渲染，水波由薄、长度不同的笔触构成。 三艘小船在由浅色点组成的雾中模糊不清。 船上的人和东西被模糊地分辨出来，可以感觉到船在摇晃。 远处工厂的烟囱、大船的起重机……这一切，都是画家从一个窗户看到的。 莫奈以轻快跳跃的笔触，出水的光线相互映衬，表现出微弱的印象。

莫奈画了许多以水为主题的素材的画，世界上评价最高的是旭日初升，雾笼罩港口的画。 画家描绘的是勒阿弗尔港多雾的早晨。 经过晨雾折射出的红色日子，在感觉上形成了灰色的绿色世界。 这个世界是真实的、幻觉的，随着阳光瞬息万变，画家用魔法画笔将这一刻的形象永远留在画布上，直到永远。 这幅画在1874年4月15日的第一届“独立派”画展上展出，《骚动》杂志记者雷尔瓦，用这幅画的题写评论文，命名为“印象派”。 莫奈热爱自然，广阔的田野、潺潺的流水、一成不变的天空是他的绘画对象。

《睡莲》

43岁的莫奈在基尼定居后，在院子里造了一个池塘，在池塘里繁殖睡莲，成为晚年所描绘的主要对象。 这本《睡莲》是莫奈64岁时创作的初期的小幅度作品。

莫奈晚年最重要的作品是连作《睡莲》。 这是一部宏大的史诗，是他一生中最辉煌的“第九交响乐”。 从1880年开始，莫奈和印象派其他画家疏远了，在吉维尼建了一个小花园，住在那里画画。 他喜欢把水和空煤气和某种有意义的情调结合起来，就这样，“睡莲”的组画诞生了。 沿着水面，美丽的睡莲蔓延到湖面远处，画家利用树木的倒影，衬托出花朵的层次，是一个极具创造性的构想。 莫奈将身心投入这个池塘和他的睡莲上，睡莲成了晚年所描绘的主题。 在那之后的27年间，他几乎没有离开过这个主题。

韦托伊·莫奈花园

穿着日本和服的海莫奈

《穿着日本和服的卡姆依》这部作品与莫奈前所未有的许多作品相比，风格独特或完全不同。 莫奈的印象派风景画，以外面自然光下的颜色变化为首要追求效果。 因为这被称为“外光画派”。 这个“穿着日本和服的卡缪”显然是在室内完成的，整个画都有可靠的光源，从右侧的窗户，缺少了以往阳光直接照射的阳光。 其二，由于通常不是直射光，室内画的颜色偏向中性点，但这幅画的颜色非常深、激烈，证明了这是画家必须刻意追求的效果。 第三，与莫奈以往不关注作品细节的解决不同，这幅画对人物、衣服的图案，甚至背景中团扇的图案等细节的解决也很细致，也不符合莫奈以往的风格。 第四，也是更重要的事情。 这幅画解决的异域风格的主题，整个莫奈的画放在以前流传下来的东西上，比较突兀。 和服、日本团扇、折扇、榻榻米、浮世绘歌姬、能剧鬼脸等日本元素构成了这幅画的第一文案。

打着伞的女人

《撑着太阳伞的女性》是莫奈悼念1886年去世的妻子卡米尔的作品。 人物形象模糊，甚至看不到五官和表情，但笔触重叠的方向，能感受到吹过草原的微风和跃动在女性丝巾上的太阳。 卡缪病死，1879年，37岁，莫奈同年画了《临终的卡缪》，用忧郁的色调、混乱的笔法，传达着爱妻去世的悲伤。 但是，我总是觉得莫奈比爱我的女人更喜欢画画。 他是这样写这幅画时的心情的。 “在我心爱的女人病床前，我本能地巡视着这张木然的脸，寻找死亡带来的颜色，注意颜色的分布和层次的变化，我已经迎来了颜色的冲突。 ”。 妻子去世的时候，他能如此冷静地解决和解体。

“冬季国会大厦”

"从沼泽地眺望阿普特河岸上的白杨. "

莫奈视线中的情景纯真自然，表达了内心的真实感受。 他笔下的物象交流表明，万物有灵气，一树一石也有怒气，有些一线可以集中于人的生命运动。 总之，画是心迹，莫奈追求的是底色美、自然美的艺术意境，从欣赏美到认知美，最后是超越美的意境。

象鼻山西边的象鼻(埃特尔塔悬崖)

这幅画又名“埃塔悬崖”，埃塔石灰断崖矗立在诺曼底海岸。 由于其形象的大小，被18世纪的许多画家表现在画布上。 在众多关于这个景色的油画作品中，印象派画家莫奈的“艾尔塔悬崖”最有名。

从构图上看，巨大的拱形悬崖占画幅左上三分之二宽，是左侧岩壁沿画布左端垂直截断的横幅作品。 因为悬崖展现出奇妙巨大的视觉冲击力和鲜明的崇高感。

从色彩塑造的方式上看，画家用写实的笔法表现天空和大海的远景形象，用写实的笔法表现悬崖背面和大海的近景形象。 衬托出悬崖的背光面和近景海面的有力实景。

画家选择场面的背光表现场面，展现出其色彩表现的实力。 在大面积冷调的背光面上，色彩丰富厚重，笔法严谨，给人一种凝聚堆积的感觉，欣赏时要屏息凝神。 这个被背景照射的阳光直射的悬崖颜色温暖而热烈。 阳光中的景色和近景海面的波浪笔粗犷、跳跃、热情、严谨的天空和背光悬崖的表现方法鲜明对应。 这部分的表现丰富生动了整个画面的形象，色彩丰富，富有美感。

花园里的女人们。

《绿衣女子》的意外成功，激发了年轻莫奈的野心，决心画出另一幅大油画《花园里的女子》( 2.55×2.05米)。 在这幅画中，三个女性的形象都是以卡米为原型完成的。 据说为了画这幅油画，莫奈在院子里挖战壕，把大画板立在战壕里，自己站在战壕边缘挥笔画画，规模很大。 遗憾的是，莫奈的这幅画没有被当时的年度官方沙龙画展采用，其理由我们今天无法理解。

1866年莫奈创作了《花园里的女人们》，这部作品是这个时期最重要的。 创作是在出租屋的庭院里进行的。 因为画很大，为了便于挥动，他在院子里挖了条地沟，把画布放下来。 画面上的4名女性由模特负责。 这是为了不断改变她的服装、发型和姿势。 画家需要事先分别画好草图，然后一起组装。 这个模特是卡米(后来的莫奈夫人)，他在1864—1865年与莫奈相遇。

为了尽量在同样的阳光下画画，画家有时不得不停下来等待时机。 为了突出4名穿着漂亮明亮颜色的女性，使其更加华丽，画面多采用深绿色。 特别是坐在眼前展开白裙子，拿着遮阳篷的女性，有着插入林间的阳光和树木的影子，确实再现了真实。 虽然作品相当新奇，但是没有被选为1867年的沙龙。

“穿着绿色衣服的女性”是在画室完成的人物画。 “圣·热尔梅娜·欧泽华教堂”是在户外光线下绘制的风景画。 “花园里的女人们”这幅画结合了这两种注意的做法。 这个画面基本上是根据照片配置的，证明了莫奈可以遵循自然景色的偶然性构图。 照片本来也应该让莫奈想到空之间的深刻效果，但是莫奈并不在意这个。 让他开心的只有平面和颜色。 正因为这幅画中的人物没有立体感和起伏，颜色才能在这里闪耀，充分展示出多样性。 女人裙子的花饰、草地的花、突出于大绿色中的叶子、树叶空从缝隙中漏出的天空、穿透阴影的光线，都带来了色彩妍丽的马赛克效果。 但是，这幅油画缺乏色调效果:光和影落在人物占据的同一平面上。 因此，光不能渗透到人体中，不能成为形状的实体。 起了太多大的固有颜色的作用。 所有这些加在一起，与其说是真实地表现所看到的东西，不如说是公式，但这个公式正是空前的大胆纲领。 这个纲领的公式化一旦消失，光就会渗透到中间调，生命也会渗透到所有笔触，从而形成整体的统一。 届时，艺术将成为花团锦簇，印象主义必须完全成熟。

在海滨公园打伞的女性(卡米)

这幅画构图靠上，左边的男孩子和打伞的女性形成三角构图，起到平衡画面的作用。 绿、蓝、褐色为主色调，颜色清新明亮，人物衣服颜色和背景统一，看不到确定的阴影和轮廓线，笔触大胆随意，裙子和草的方向动感十足。

在整个画面都是模模糊糊梦中的场景，作者用大小比例和覆盖巧妙地区别和表现了女性、儿童、天空的空之间的关系。 他很好地捕捉了光影和画中的瞬间印象。 画中女性的脸和上半身都是暗色的，表示在太阳伞的影子下。 阳伞、脸、裙子、草坪的整个阴影区域，就像光在女性裙子光面上的影子一样，女性摇晃的围巾和裙子的褶皱也加强了画面的移动。

莫奈比任何画家都更注重捕捉瞬间消失的情景，没有观察物体自身的轮廓。 他说“只有画的主角”。 他还说明了如何努力画画“空息美……但这是不可能的”。 莫奈画的是一生致力于绘画的东西。 这幅画中天空空中流淌着浮云。 我们几乎都能感受到吹浮云的微风。

1875年，这幅画实际上是莫奈所有关于卡米的画中最广为人知的。 当时的莫奈，大概也是人生中最“惬意”的时候，妻子的幼子虽然年事已高，事业不成功，但总是朝着非常有希望的方向发展，生活并不富裕，但压力也不大，所以这个时期的莫奈的画无一例外都是阳光、鲜花、愤怒、生气。 事情的迅速发展，似乎总是喜欢和大家开玩笑。 今天，你的生活一帆风顺，你大概想也许可以就这样继续下去，但是突然有了变化，出现了摇滚，痛苦有时会突然变得悲惨。 谁能想象画面中这个阳光灿烂的年轻女性，在短短的4年后，突然因病失去了生命，命运就这样折磨着人呢？ 所以，作为人类中最微不足道的东西，我们每个人，或者应该有更多的忧患意识，当你觉得幸福的时候，以及平淡的时候，想想人生中可能发生的坎坷和不幸，你也许会更加深刻地感受到现在的幸福 话虽如此，但谁能真的在春天误入歧途的时候，马上移动梯子，把春风留在人生的屋顶上呢？

冬天早晨的干草堆

印象派认为真相是一瞬间的视觉形象，打破了以往绘画的成见，直接用颜色表现了视觉。 《干草山》运用莫奈擅长的单色颜色点排列技术，给观察者带来了颜色混合和振动的独特视觉感受。 《干草山》是莫奈的主题绘画系列之一，记录了干草山在一天不均匀光线下的颜色变化。 画家强调瞬间的视觉形象，其绘画表现一瞥的形象，追求一如既往的精确逼真的绘画观念。 如果想在印象派绘画中寻找真实的一面，必须从远处看。 但是印象派绘画吸引人的地方是其朦胧的颜色变化的微妙性。 干草堆，光影效果做得很漂亮，但实际上是颜色的形象，乍一看，这像五岁小孩的信涂鸦。 没有细节。 那并不意味着真的是涂鸦！ 莫奈不仅满足于画他看到的东西和用他看到的那样的方法画画。 他试图创造独特的效果，达到绘画无法达到的目的。

其实“干草山”这个主题早在1888年就想到了。 这个景色只有在秋天。 于是他从秋天开始画到第二年初春，不断注意着那种光的变化。 前后一共画了24张。 有一张的，也有一组的。 立场也不同，表现出不情愿的辰和不同光变化下的稻草的样子。 画面看起来很单调，但面对着干草堆，画家产生了深厚的色彩感情。 他觉得只要用两张画布画出这堆干草就行了。 在阴天用，在晴天用。 但是，由于光线在稻草上不断变化，他不得不一次又一次地回家拿新画布。 他之所以热衷于这个物体光的一些变化，用他自己的话来说，就是“是为了记录某种特定自然景色的真实印象，而不是为了画模糊的风景画。 “从莫奈画《干草山》中，我们发现印象派画家的绘画整体灵感源泉，也就是光的颜色变化激发了他的艺术热情。 他给朋友写信说:“太阳落下那么快，我赶不上。”

这幅画的主角不是山，不是田野，不是干草山，而是那些灿烂的光。 印象派创始人克劳德·莫奈酷爱绘画，一生都在寻找体现光之美、空气之美的做法。 莫奈比任何画家都喜欢捕捉瞬间的死亡景象，用魔法画笔进行记录。 就像这幅画《干草山》一样。 太阳照射的瞬间，天空、山、房子、草堆是什么样的？ 默奈自己细心观察，画出了这些物体的一些变化。 他没有观察物体本身的轮廓。 因为是主角。

《威尼斯大运河》

是莫奈发挥印象派技法表现水城威尼斯梦幻迷雾流光倒影的经典作品。

“波”

莫奈表现了法国沿岸波涛起伏、起伏，色彩和跃动感很强，更是以浮在上方空的云和“浓妆淡墨”、“动作的结合”为目标。

圣拉扎尔站

描绘于1877年的“圣拉扎尔车站”是表现巴黎车站的画，是日常生活场面的实际“印象”。 莫奈向往光通过玻璃天花板射向蒸汽烟云的效果，向往从混沌中出现的机车和车的形状。 莫奈相信光和空气的魔法效果是最重要的。 他巧妙地平衡了画面的调子和颜色，这幅画把力量、空之间的指针和运动表现得很好。

所有研究莫奈创作活动迅速发展的人，如果说最初的命运引起了莫奈的迅速发展趋势，那之后就会发现他自己创造了他的命运。 莫奈之所以成为“印象主义”风格的创始人，被他的朋友公认为“班首”，是因为莫奈坚定不移的意志。 众所周知，印象主义意味着感觉和注意方法的变革，不仅改变了绘画，还改变了雕塑、音乐、文学，直到今天影响也不大，依然改变着我们。

《日本桥》

漆成绿色的日本式拱形木桥横跨池塘。菖蒲、百子莲、杜鹃花科的观赏植物和绣球花环绕着池塘保护着它。 水面上漂浮着粉红色的睡莲。 柳树和紫藤流落水面，使水的色调更深、更蓝。 直到1895年，莫奈才第一次画了池塘和日本桥的画。 从1898年开始，他又画了同一主题素材不同版本的正方形画。 其中10张在杜兰·鲁尔画廊举办的他的新作展上展出。

资料来源:艺术和设计