“断臂维纳斯 何以成为杰作”

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世代相传的“美的条件”

在文艺复兴时期的欧洲，古希腊美学作为美术表现的基础“美的条件”传承至今。 那么，“美的条件”到底是什么呢？ 以被称为“杰作”的“米洛的维纳斯”为例，一边思考这部作品被称为“杰作”的理由，一边享受吧。

看着这座雕塑，我们首先观察到了身体严重扭曲的姿势和乍一看似乎不稳定，但整体却非常稳定的优点。 这是因为雕刻由于以腰为起点的上半身扭曲而产生重心偏向，通过右脚的支撑取得了平衡。

这正好像人类走路的姿势。 人走路时，身体无论向左摆动还是向右摆动，重心线在移动时都保持垂直，因此保持平衡，不跌倒。

这个姿势是古希腊人在公元前5世纪左右发现的。 在美术表现上，与古希腊以前的美索不达米亚和古埃及的雕刻相比，其特征更加明显。

部分与整体的和谐比例关系

例如，公元前3300年在古代美索不达米亚地区制作的作品《祭司王像》和公元前22世纪左右的作品《古地亚》，都是直立在正面，也就是正中线垂直，完全感觉不到动静。

这些特征在古埃及的雕刻上也几乎没有变化。 例如，无论是古王国时代的国王和王后的立像，还是新王国时代的女性像，线条都变得流畅了，但正面垂直竖立，正中线依然垂直，缺乏动态性。

另外，古代美索不达米亚和古埃及的雕刻整体上非常单一。 也就是说，身体各部分之间，或者说部分与整体之间没有本质的区别，换句话说就是有统一性。

与此相对，“米洛的维纳斯”明确区分头部、上半身、腰、双脚等部分，保持了整体的统一性。 这个“部分与整体的和谐”是古希腊人心中“美”的首要条件。

这种“和谐”的产生正是因为身体各部分之间设定的“比例关系”。 至今仍有“八头身美人”的表现形式，将身体的各部分以比例关系联系在一起的是古希腊人。 人体各部分统一的比例关系称为“规范”( canon )。 公元前5世纪，古希腊雕塑家波利克里斯托斯( polyclitus，生卒年月不详)制定了“1:7”，也就是7只个体的规范。 在公元前4世纪，这张图又被训练成“1:8”，也就是八头身的规范，一直以来都是表现“美丽身体”的标准。

动态导入

将古代美索不达米亚和古埃及的雕刻与“米洛的维纳斯”进行比较，前者完全感觉不到“动静”，后者则出现了生机勃勃的“动静”。

当然，古埃及也有不少“官方立像”“搬运贡物的女性”等单脚向前迈出的姿势的雕刻。 但是即使是这些雕塑，正中线依然垂直，其结果也是捕捉并固定动态瞬间，即所谓“静止的动态”的表现，完全感受不到动态感。

与此相反，在《米洛的维纳斯》中，由于像的重心由右腿支撑，左腿自由活动，所以左腿可以大幅度向前伸出，与身体的扭曲相呼应，产生生动的动态。 这个“动态”的引入是古希腊人心中“美”的第二个条件。

“支撑腿”作为重心支撑着弯曲成s形的身体，随着自由活动的“摆动腿”，两者之间产生了稳定的动态姿势，被称为“对立平衡式”( contrapposto )，后来成为欧洲雕塑和绘画中人体表现的基础

例如，很少有人知道桑德罗吗？ 波切利( sandro botticelli，1445—1510 )创作的维纳斯以《卡特彼勒的维纳斯》为例进行创作。 另外，意大利文艺复兴巨匠米开朗基罗的作品《大卫》，同时期在德国活动的乌尔姆的格雷戈尔？ 是哈特( gregor erhart，约1470—1540 )的作品《抹大拉的玛丽亚》，还是18世纪法国雕刻家以东？ 布沙东( edmé bouchardon，1698—1762 )的洛可可式作品《有氧运动者将赫拉克勒斯的棍棒重新编成弓箭》。 无论是创作年代、地域、格式还是主题，这些不同的雕塑都有共同点。 也就是说，通过构图的平衡表现出对人体的美的意识。

人类中心主义的世界观

刚才看到的古代美索不达米亚和古埃及的雕刻和“米洛的维纳斯”的不同，与其说是技术问题，不如从世界观的不同中寻找原因。

在古代美索不达米亚和古埃及，担任雕刻模特的人是国王、女王、神官、巫女、书记官等拥有特权的统治者阶级的人，当时被认为是超自然的存在，也就是超能力者。 在为这些超能力者制作雕塑时，他们最重视的是拥有超越现世的永恒性，因此必须排除“动态”这一暂时因素，使之成为不受时间流逝影响的、纪念碑一样的不可动摇的姿态。 另外，为了让谁都能知道雕刻的模型是谁，有必要做成面向正面的姿势。 古埃及特别强调风格的写实性，要求与模特本人相似(具有酷似性)。

与此相反，古希腊人已经有了辩论家和教育家普罗塔哥拉( protagoras，约前481—前411 )提出的“人是万物的尺度”的人类中心主义世界观，因此追求让人感受到生命的生动。 正如前面所说的构建“美丽身体”的“比例关系”，也适用于围绕着人类的整个世界。 也就是说对古希腊人来说，人类的身体是“美的基准”，自然界的美也需要基于这个基准来评价。

这种“人类中心主义”的世界观，实际上和基督教的世界观有共同点。 圣经？ 旧约中记载，上帝首先创造了天地，最后创造了人类，这是为了让人类统治自然世界。 在基督教的世界观中，人类也是自然界的王者。 文艺复兴时期的欧洲接受古希腊人的“人是万物的尺度”这种“美”的思想，并延续至今。

莱昂纳多？ 朋友？ 芬奇的《维特比》出色地展示了以世界中心人体和人体的比例关系思考世界的思想。 正因为有这样以“人类中心主义”为基础的“美”思想，在西方绘画的历史中，人物表现的重要性高于一切，长期以来风景画和静物画都没有得到很高的评价。

服装表现之美:写实派理想主义

古希腊人基于“人类中心主义”将人体视为“美的基准”，但这里所说的人体与古代美索不达米亚和古埃及不同，这里所说的人体不存在具体的模型，而是“比例关系”产生的“理想型”人体。

这在脸部表现中有非常明显的表现。 古希腊雕塑，特别是女性形象的面部没有个性和类型化，就是这个原因。 由于是以理想的形式制作的，所以人物的表情看起来很写实，但从古埃及雕刻中并不存在酷似性。

与此相反，我们可以从古希腊雕刻的女性形象中看到非常写实的服装表现。 与中青的形象不同，古希腊只有男性形象能裸体表达。 最初的女性裸体雕像是公元前4世纪左右创作的，在此之前的女性雕像都是穿着衣服的。

因此，为了表现女性的身体，必须要活用被水淋湿、被风吹得紧贴身体的服装所产生的线条之美。 通过描绘我们在《维纳斯的诞生》中可以看到的贴在身上的服装线条，表现了身体隆起部分的雕刻。

其中最好的作品是《萨莫色雷斯的胜利女神》。 在《萨莫色雷斯的胜利女神》中，胜利女神的身体和宽松的平衡构图相辅相成，通过随风飘扬的服装线条之美巧妙地表现出来。

《萨莫拉斯的胜利女神》( winged victory of samothrace )，前190年，高244厘米，巴黎卢浮宫

这个“服饰表现”是古希腊人心中“美”的第三个条件。 他们通过理想化的人体形态和写实的服装表现，以实现本应被称为“写实派理想主义”的理想为目标。 所以古希腊雕塑可以实现理想化和观念化的真实身体表现。

如果再次注意“米洛的维纳斯”，就会发现，通过展现上半身裸体的美丽和展现给下半身的服装的美丽，充分实现了“写实派理想主义”。

杰作”的理由

那么，《米洛的维纳斯》为什么是杰作呢？ 是因为这座雕塑符合刚才说的“美”三个条件吗？

确实如此。 但是，确切地说，不如说这个答案相反。 其实，以“米洛的维纳斯”为代表的哪部作品是欧洲美术中造型表现的基础呢？ 也就是说，只有这样能够具体实现“美”三个条件的雕刻作品，才是之后欧洲美术的源泉。 在欧洲美术中，一个作品是否优美、是否杰作，必须作为衡量“米洛的维纳斯”之类作品的基准。 从这个意义上说，《米洛的维纳斯》不仅本身是杰作，也可以说是欧洲美术历史中众多杰作之源的一系列作品的代名词。